Le blog des potes

Après les habituelles bandes des différents producteurs, une série de photos défilent sur fond de jazz. Des descentes de police, des fouilles, des interpellations musclées, un corps de femme, le tout en noir et blanc, comme tirées des années 70. Noir, le titre, puis un plan sombre, sublime, de Joaquin Phoenix, sortant de l’ombre d’un couloir, le regard triste. Il pourrait regarder le corps mort d’un être cher, mais la femme qui l’attend ( Eva Mendes ) est belle et bien vivante. Ils sont sur le point de faire l’amour, mais on l’appèle: il doit retourner à son job. Il se rhabille, sort de la pièce, et nous entraîne vers son lieu de vie dans un mouvement de caméra aérien : sa boîte de nuit. Un panneau nous avertit : New York, 1988.

En trois séquences, James Gray nous transporte des années 70, pour nous ramener aux années 80 par le biais d’un plan d’une beauté à pleurer. Le ton est donné : c’est une œuvre que nous allons regarder.1994 : Little Odessa. 2000 : The Yards. 2007 : La nuit nous appartient. 3 films en 13 ans, James Gray est un réalisateur rare. Comme Terence Malick, ces films sont attendus, plébiscités, sélectionnés à Cannes. Et pourtant, lorsqu’on les regarde, ils semblent intimistes, réalisés pour nous. « La nuit nous appartient » est un tout, une tragédie grecque, voire un film christique, peint avec une caméra, surlignée par une musique au diapason de la beauté formelle des images qui défilent. Pourquoi mettre en avant un comédien plus qu’un autre ? Pourquoi décomposer les séquences en plan ? Gray, avec la générosité propre aux cinéastes qui aiment leur art, nous offrent sur un plateau une perfection faite cinéma.

Mais il sait aussi qu’un film, c’est des moments forts, des climax, des révélations. Il sait aussi que le genre du film policier a ses stéréotypes. Certains diront qu’il est adepte des raccourcis scénaristiques. Qu’importe. Lui, ce qu’il veut nous raconter, c’est l’histoire d’une famille où être flic est un devoir. Or Bobby ( Joaquin Phenix ) a choisi la liberté et gère pour le compte d’un vieil homme russe une boîte de nuit, tandis que son frère, Joseph ( Mark Walhberg ) suit les traces de son Commandant de père, Burt ( Robert Duvall ). Mais la tragédie suit son chemin, et Bobby va devoir très rapidement choisir son camp… si choix il y a vraiment.

Alors savoir comment les flics vont arrêter les méchants, ou comment les méchants arrivent à tromper les flics, ce n’est pas le plus important. Par contre, la douleur d’un fils rejeté, l’amour et filial, et fraternel, qui le pousse à mettre en danger sa propre vie, çà, ça mérite un film. Une œuvre. Avec des morts, des trahisons, des larmes, des moments proches du cauchemar. Raconter ses instants superbes, c’est tuer le bonheur douloureux de les découvrir. Du coup, je suis gêné. Parce que j’ai beaucoup de mal à parler de chef d’œuvre. Un terme si souvent galvaudé qu’il ne veut plus dire grand chose aujourd’hui. Mais avec « La nuit nous appartient », James Gray se hisse au niveau de Scorcese, ou du Ferrara de « Nos funérailles ». Avec son style, son approche, et cette poésie visuelle éblouissante qui lui est propre. Un maître parmi les maîtres.

Si, il y a dix ans, vous m’aviez dit : « La France produira des films d’horreur gore, des actioners bourrins et des films de science fiction », j’aurais réagi selon l’humeur :

-         en vous payant ma tournée, les  larmes aux yeux, car « un con comme toi, ça devrais être remboursé par la Sécu » ;

-         en vous foutant mon poing sur la gueule tout en déclamant : « C’est pas bien de se moquer des plus faibles ».

Mais entre temps, il y a eu « Haute tension », « Nid de guêpes » et « Maléfique ». Des films solides, assument pleinement leurs liens avec le cinéma de genre, jouant intelligemment de ses stéréotypes. Xavier Gens voit son deuxième film, « Hit Man », sortir en Amérique avant que son 1^er, « Frontière(s) », ne soit sorti en France. La révolution a eu lieu, les producteurs réagissent, mais comme à leur habitude, ils le font en partant dans tous les sens. Car pour un Aja burné et hardcore, on a droit à des tristes daubes comme « Brocéliande » ou « Promenons nous dans les bois » ( le film au 1000 faux raccords… ). Pire, la seconde catégorie prend le pas sur la première… Les deux films qui nous intéressent en sont les parfaits exemples.

On ne va pas lambiner, prenons en nous au gros lot : « Dante 0.1 ». On va même faire très court : ce film, c’est Mocky qui tourne son remake de « Alien 3 » en se prenant pour Kubrick. Voilà, ça, c’est fait… Quoi ? Trop court ? Bon. C’est filmé en vidéo si pourrie que mon film de vacances en Espagne est mieux foutu. Cà a le rythme d’une tortue asmathique, et les comédiens débite un texte digne d’un film institutionnel. Le seul à s’en sortir, c’est Lambert Wilson ( mais avec un gars pareil, dur de manquer de charisme… ). Là où ça devient intéressant, c’est que c’est M. Caro le fautif. Oui, le gars derrière les délires visuels et scénaristiques de « Delicatessen » et « La Cité des enfants perdus ». Ce 1^er film de la part de l’ancien enfant prodigue du ciné français était attendu tel l’arlésienne. Monsieur a accouché d’une limace…

Alors certains s’en prennent déjà à ces fameux producteurs sus-cités, ces méchants qui donnent pas suffisamment de fric pour faire une bande digne de ce nom. Et moi de répondre : « Et Eden Log, c’est quoi, un blockbuster ? ».

Non, là aussi, le budget est équivalent à la facture bouffe de Gérard Depardieu dans un « Astérix », et tout deux navigue en pleine science fiction auteurisante. Mais là où Caro nous torche un Z digne des meilleurs prod’ italiennes des années 80, Franck Vestiel nous ramène à un croisement entre l’univers de Lucas période « THX » et le Darren Aronofsky de « Pi ». Le pitch est basique ( un homme amnésique se réveille dans la boue de ce qui semble être des souterrains, et tente de remonter à la surface ), c’est quasiment sans dialogue, et tout est filmé dans un faux noir et blanc de très bonne facture. Clovis Cornillac, même s’il a tendance à trop en faire, est tout de même impressionnant de bestialité. Et pour finir, Vestiel sait manier une caméra et créer une ambiance ( même si, effectivement, l’influence de « The Descent » est parfois flagrante ). Alors, non, je ne cris pas au chef d’œuvre, car le début est poussif, et la construction du scénario est assez répétitive ( Cornillac se réveille au niveau – 4 , puis atteint le – 3, et le – 2… ). Mais certaines scènes valent beaucoup de bouses actuelles ( dont une scène de viol dans un monte charge pour le moins dérangeante… ), et le film gagne en puissance au fil du temps, fait assez rare pour le souligner.

Donc voilà. On fait enfin du cinéma de genre en France. C’est parfois très bon, parfois pourri, et quelques fois excellent. Et pour la petite histoire, le scénario d’ « Eden Log » a été écrit par Pierre Bordage, scénariste attitré de… Marc Caro. Allez comprendre…

Le cinéma asiatique est assurément un des rares capables de nous fournir de grandes bouffées d’air pur. Il y a deux façons d’aborder « Je suis un cyborg » de Park Chan-wook. Celle de l’approche cartésienne, de celui qui veut comprendre, à qui le cinéma actuel à donner la sale habitude de mâcher le travail, d’expliquer le pourquoi du comment. Puis la manière sensitive, viscérale, celle de celui qui entre dans une salle noire pour se laisser porter. Park Chan-wook est surtout connu pour « Old Boy », film noir où violence, humour et poésie dépeignent un univers sombre. Avec « Je suis un cyborg », il inverse totalement la vapeur, et nous offre un conte de fée burlesque qui, au fur et à mesure, gagne en poésie, en humanité. En suivant Young-goon, jeune femme internée car persuadée d’être une machine, et Il-Soon, dont on ne sait plus vraiment s’il est réellement fou ou simplement « décalé », il nous donne à voir une fable sur l’acceptation de l’autre et de soi, sur la rigidité dévastatrice d’une société coréenne trop rude, et une bien belle histoire d’amour.

Mais lorsqu’on est habitué d’avoir pour toute approche visuelle de la folie les films quelque peu redondants de Tim Burton, ou l’approche, excellente mais clinique de Milos Forman et son « Vol au dessus d’un nid de coucou », celle du réalisateur coréen a sûrement de quoi déstabiliser. Parce que le cinéma asiatique est certainement un des plus libres, si ce n’est le dernier. Il faut avoir vu du Miike, du Kitano ou du  Joon-ho Bong, pour prendre la mesure de cette folie. Dans « Je suis un cyborg », il faut accepter qu’une femme obèse peut voler en frottant ses chaussettes l’une contre l’autre, qu’un jeune homme vit avec une élastique autour de la taille qui, le jour de sa mort, le renverra dans le ventre de sa mère… Bien sûr, ces personnages, ainsi que la grande majorité des autres, sont fous. D’ailleurs, la première partie du film baigne tellement dans cette dernière qu’on a du mal à s’attacher à ces pauvres gus internés, tant Park Chan-wook les filme avec une distance trop prononcée, et un burlesque un brin trop appuyé. Mais lorsqu’il entre dans leur univers, lorsqu’il fait VRAIMENT voler cette femme obèse, lorsqu’il film Il-Soon réparant Young-goon pour qu’elle ne meure pas de faim, on est conquît. Parce que ça nous parle, nous, les sains d’esprit, ça parle d’amour, d’acceptation, de deuil, d’abandon. Et sans s’en rendre compte, on glisse d’un regard mi-amusé, mi-ennuyé, vers un grand sourire de gosse heureux d’avoir appris qu’il ne faut pas manger de poulet rôti avant de prendre son envol avec une coccinelle.

Alors il y a deux façon de voir « Je suis un cyborg » : celle, cartésienne, qui vous fera sortir de la salle avec l’impression d’être passé à côté de quelque chose, et d’oublier ce film si bizarre. Puis l’autre, qui vous donnera envie de parler au néon, ou de voler un jeudi à votre collègue de travail.

J’ai un vrai problème avec les critiques cinéma. Je sais qu’il faut prendre leurs paroles dithyrambiques avec des pincettes, mais lorsque celles-ci font l’unanimité, je ne peux pas m’empêcher de penser qu’il y a obligatoirement du vrai. « Cowboy » de Benoît Mariage a été encensé par la quasi-totalité de nos gus. Poésie, humour, tendresse, ainsi qu’une flopée de superlatifs pour ce Benoit Poelvoorde qui sortait enfin de son personnage habituel. Alors j’y suis allé, et… flop. Ni mauvais, ni bon, juste moyen, tiède. Comme si on avait pris la même histoire que « Podium » (un looser qui s’entête dans un projet au péril de sa vie professionnelle et surtout de couple), le même couple (l’ami Benoit et Julie Depardieu, qui joue en totale roue libre, un coup exaspérante, un coup juste), mais qu’on l’avait couvert d’intellect, de respectabilité. Mais aucun changement radical pour Poelvoorde. « Cowboy » n’est pas son « Ciao Pantin », loin de là. Tout juste tente-il (avec succés, il est vrai) plus d’humanisme vers la fin du film. Et le reste est au diapason ; un rythme plat et répétitif, des effets comiques assez grossiers qu’on a tout juste dépoussiéré, et surtout des seconds rôles très mal exploités (je défie quiconque de me cité le nom du personnage de Philippe Nahon : prendre un comédien de cette trempe pour faire moins que de la figuration, c’est assez honteux). Gilbert Melki a droit à un rôle proche du vulgaire, Olivier Gourmet disparaît aussi vite qu’il apparaît… Reste quelques moments touchants ou simplement bien fait ( le pot des otages dans le bar, l’arrivée de Poelvoorde au beau milieu d’un repas que Julie Depardieu organise pendant son absence ). Mais il faut vraiment que les critiques arrêtent leurs conneries : des instants vrais n’ont jamais fait un excellent film. Même pas un bon.

Alain Cochois

Bonjour à tous,

Je viens de voir deux films. Deux grands réalisateurs, deux personnes que j’estimais réellement… « American Gangster » de Ridley Scott et « Les promesses de l’ombre » de David Cronenberg. Et je comprends pas. Vraiment ! Passe encore que Scott nous ponde un film certes sympa mais franchement mou du genou ( arrghhh, c’est quand même lui qui nous a donné deux chefs d’œuvres, « Blade Runner » et « Alien, le 8ième passager » ! Y de quoi être énervé !), mais Cronenberg, merde… « History of violence » était déjà drôle en soi, aussi fin qu’un pet dans une église, mais il ne m’avait pas énervé… Mais « Les promesses… ». Une heure de bon film, tendu, avec juste une Noamie Watts un peu paumée, un peu cruche… Et d’un coup, il se tire dans le pied, fait de Viggo Mortensen ( sublime en mafieux russe, ce gars est en train de marcher sur les platebandes d’un Eastwood ! ) une caricature, et transforme un cauchemar en bonne vieille histoire manichéenne à laquelle on ne croit plus ! Alors dîtes moi si je suis fou, si je suis le seul à avoir eu envie de me faire rembourser… A mes yeux, Scott et Cronenberg sont devenus les ombres d’eux-mêmes, au même titre que De Palma, Coppola, Friedkin, voire même Scorcese…

 J’suis trop triste…

Alain Cochois